指尖生花
——浅谈古筝教学中如何提高演奏者素质

汝 漪

（厦门大学附属音乐学校，福建 厦门 361000）

指尖生花
——浅谈古筝教学中如何提高演奏者素质

汝 漪

（厦门大学附属音乐学校，福建 厦门 361000）

古筝是一件古老的乐器，她用修长的身型和优美的音色征服着观众的视觉和听觉，给人以美的享受。本文重点通过阐述古筝演奏者应具备“力、意、气”这三个方面的素质，以便更好地展现古筝这个乐器的情感表达艺术魅力。

【关键】古筝教学；古筝演奏；“力”“意”“气”

一、“力”：宝剑锋从磨砺出，梅花香自苦寒来

想要学习和演奏一门乐器，基本功的练习是必不可少的环节，大家都知道“台上一分钟，台下十年功”的道理，古筝的学习也是如此。随着古筝新作品的逐渐增多，在乐曲的速度与力度方面都有了更高的要求，所以基本功的练习就显得尤为重要。

古筝演奏中，右手的演奏指法主要有“打、勾、抹、托”，左手的演奏指法主要有“揉、按、颤、点”，这些技法都要做到自然流畅，饱满清晰，以达到不同乐曲对演奏者的要求。

在教学过程中，学生往往困惑的是怎样才能弹得更快，而忽略了慢练的重要性，有时只一味的追求快，而降低了对音色以及清晰度的要求。其实，慢练在完成乐曲快速段落方面有着至关重要的作用。学生每拿到一首新作品，首先要看清楚调式调性以及段落结构，然后从“慢”入手，静下心完成乐曲中的每一个音，使每一个音每一个节奏型在脑海中留下深刻的印象，为快练打好基础。例如乐曲《袖梦》（刘乐作曲）、《溟山》《云岭音画》（王中山作曲），这些乐曲快板中有大量的左、右手快速指序技法以及轮指技法，这些段落如果没有长时间的慢练做支撑的话，恐怕就算完成了乐曲，其质量定不会高，更谈不上引起观众的共鸣了。

练习时，首先应保持好手型，此外，指尖需用力抓住琴弦，指关节弯曲，使整个手臂的力量都集中到指尖，指尖过弦速度不宜过慢，要有种敲击琴弦的感觉，手背要稳定，不能跳，如此反复练习，手指肌肉的力度才会得到训练和积累，手指弹奏才不会有负担。

学生演奏乐句往往没有连贯性，每一个音都是独立存在的，这样的音乐缺乏旋律性和歌唱性，犹如散落的珍珠，虽然美丽，却无法成为项链。在教学中，应教会学生多听余音共鸣，心随乐走，乐由心生，脑海中要有乐曲的旋律画面，应多想想音与音之间空白的部分该做些什么，这里不是简单的停顿，往往是乐曲容易出彩的地方，古人就说过：“此处无声胜有声”，那该如何做到“胜”有声，这就非常考验演奏者的功力。演奏时，要求手指触弦不可随意，过弦速度不宜过快，感觉像是在摸着弹琴，要使琴弦得到充分的震动，手指小关节不能压得太死，否则音色会显得僵硬、短促，没有弹性，整首作品也就失去了连贯性。

由上可见，基本功的练习在乐曲中有着举足轻重的地位，它能使演奏者静下心来研读乐谱，把每一个音和节奏都印在脑海里，也能使演奏者慢慢体味乐曲的意境和魅力，为乐曲的更深层次表达做好铺垫。

宝剑之所以有锋利的刀刃，是因为经过了长时间的磨砺，梅花之所以香气扑鼻，是因为经历了漫长的严冬。古筝演奏亦是如此，只有掌握了扎实的基本功，手指才具有“力度”，乐曲才具有“张力”“吸引力”，指尖才会因“力”生花。

二、“意”：转轴调弦三两声，未成曲调先有情

“意”，有意义、意念、意境的意思，弹奏乐曲，首先要理解乐曲的意义，是欢快还是悲伤，是写景还是抒情；其次，带着这样的意念去演奏乐曲，表达出自己想要表达的感情，最终营造出作者想要表达的乐曲意境，与听众置身音乐之中，感受音乐之美！

说到“意义”“意念”“意境”，这就与演奏者的文化底蕴密不可分。拿到一首新作品，我们先看到的一定是曲名，曲名是乐曲的高度概括，它包含了乐曲的速度、情感与地方特色等多方面的内容。例如乐曲《临安遗恨》（何占豪作曲），此曲描写的是抗金名将岳飞的事迹，此曲曲名的重点是在“遗”字，有遗憾、未完成之意，故全曲感情基调为悲愤、遗憾、无奈；速度有快有慢，慢板无奈、悲壮，快板英勇、无畏。再如乐曲《春到湘江》（王中山作曲），乐曲描写了春回大地之时，湘江河畔的景色，此曲曲名的重点是在“春”字，春天，是充满希望的季节，春草萌芽，暖阳和煦，此时，与三五好友泛舟湘江是何等美事！故乐曲速度稳健，烘托出一副美好、和谐的画面。再如传统筝曲《姜女泪》（周延甲作曲），此曲为陕西风格作品，曲名中有一个“泪”字，便给人一种悲伤的情绪，乐曲运用了陕西地方曲种“秦腔”和“郿鄠音乐”的表现形式，描绘出一个独倚窗棂、泪眼望夫的哀怨女子形象。又如乐曲《云裳诉》（周煜国曲），此曲根据李白《清平调》中的诗句“云想衣裳花想容，看风弗兰露华浓”而作，描写了唐明皇与杨贵妃的情感纠葛。此曲曲名的重点在于一个“诉”字，“诉”当作诉说、倾述之解，如果演奏者不去“诉说”，那听众如何知晓要表达的含义？所以演奏者要多多唱谱，这样才能体会乐曲中如泣如诉的情味，才能明了唐明皇与杨贵妃缠绵悱恻的爱恨情愁。

此外，在教学中，学生因为没有直观的视觉感受，往往很难理解乐曲的意境，而曲名中隐含的色彩就有助于学生进一步理解乐曲的感情基调。声音其实是可以看得见的色彩，而色彩是可以看得到的声音。比如王中山的作品就极具色彩表现力，正如《中山筝谈》［1］这片文章在评论他的艺术创作时所说：“行云流水拨弄指尖琴弦，妙笔生花勾勒音情画意。爱筝爱画爱生活，古筝和绘画水乳交融般融入了王中山的艺术长河并缓缓流淌着。他‘画’《溟山》，‘画’楼兰，‘画’《汉江韵》……用一把古筝画出了一副富合人生真谛，饱含人生感悟的博大画卷。”再例如上文中提到的乐曲《春到湘江》（王中山作曲），绿色可以用来描写春草，橙色可以用来描写暖阳，这两个颜色淡雅温暖，充满希望，与乐曲所要表达的情感相辅相成，并且，能更直观的帮助学生了解乐曲，演奏乐曲。

乐由心生，音乐是表达内心活动的手段之一，我们不仅要把握音乐的地域特色与区别，更要了解曲作者的意图，对乐曲进行二度创作，更准确的表达乐曲内容。“转轴调弦三两声，未成曲调先有情”，可见情至乃是乐曲表达的最高“境界”。琴是有生命的器物，只有细细品味，乐曲才会更具“意境”，指尖才会因“意”生“花”。

三、“气”：飞流直下三千尺，疑是银河落九天

随着古筝表演形式的多样化，人们对于演奏者的能力要求也是越来越高。演奏者不仅要具备扎实的基本功，丰富的文学修养，还要具备得体的演奏姿态，这也就是古筝演奏中的肢体动作。

“气”，顾名思义，有“气息”、“气流”、“气韵”之意。在教学中，学生的肢体动作有时会过于僵硬、刻板，仿佛是为了提手而提手，为了摇晃而摇晃。而得体的演奏姿态来源于顺畅、平静自然的呼吸。艺术都有相通之处，在这里可以参考《论歌唱的呼吸》［2］一文对歌唱中“自然”的表述：“这里的自然指的是什么呢？著名歌唱家菲尔德说：‘所谓自然，就是不以人工的、人为的、以外部手段形成的结果。自然的呼吸方法，就是要求呼吸不直接受技巧训练或规定动作的影响，是一种不知不觉的、正常的、无意识的、不带一点主动控制，是一种反射活动。’”

学生每拿到一首作品时，应先唱谱，这是极为关键的一步。唱谱时，我们会随着自己的生理呼吸来停顿，这也就是在划分乐句；我们会随着自身音量的大小来变化，这也就是乐曲的强弱起伏。在这里依然可以类比歌唱的情况：“要分清顺应自然和听其自然之间的差别。歌唱中的呼吸是有目的、有要求的，绝不能放任自由，它既要服从生理上的规律，又要满足歌唱上的需要；既要无拘无束，又要有所控制。这就存在着一个经过反复实践，由必然向自由转化的过程。”［2］在古筝演奏中，我们要把生理的呼吸转化为演奏时手臂的提手，要把唱谱时音量的大小转化为演奏时神态的变化与手指力度的控制，做到“哀而不伤”，这样就有了自然的肢体动作，不会僵硬、做作，乐曲的气息也会变得通畅，并且具有气韵之美，如飞流之下的瀑布，大“气”磅礴，一“气”呵成，才会“气”势如虹，震人心魄，指尖也才会因“气”而生“花”。

四、艺术无界

如果说扎实的基本功是乐曲演奏的基石，那么领悟、演奏出作品的意境就是乐曲演奏的灵魂，而自然潇洒的肢体动作可以是乐曲演奏的华装，这三者是演奏者相互依存，缺一不可的素质。“曲有误，周郎顾”，可见乐曲中任何细小的情至都逃不过听众的耳朵。演奏者只有练就扎实的基本功、不断地丰富提高自己的艺术修养与体态，我们的指尖才会绽放出美丽的花朵！

［1］中山筝谈（二）［J］.秦筝，2013，2.

［2］赵秀荣.论歌唱的呼吸［J］.音乐生活，2008，3.

汝漪（1985-），女 ，汉，福建厦门人，职称：古筝教学，研究方向：器乐演奏。